ARTTITUDE：徐老师，您好！通过画册第一次看到您的作品，请您谈一谈以黄河之水为题材的创作是什么时候开始的？

　　徐惠君：原先我是画传统的一路，而且一走就是很多年，但是传统是用来让我了解过去的，如果再往回走，感觉在走回头路，所以我下意识的想做一些改变。其实从宋元以来的经典作品我都临习过，我自己很认真地研究过。传统山水画到宋元是一个顶峰，其实后来的人都是在走下坡路，笔墨工夫跟古人没有可比性，即使是中国美院的一些专家教授，他们的笔墨也不及古人的。我想把这个传统作为一个终点，同时作为自己创作的起点。

　　我想要完完全全做一次革命性的转变。那我就想了很多题材，真正代表中国符号的题材。我当时我就想如果把这个题材做好了，不单单是给中国人看的。现在是地球村了，讯息、交通那么方便，可以走出国门，代表中国传统文化的题材，我就想黄山、黄河、长城……，最后决定选择黄河，她是母亲河，中华魂，我就这样确定了以“黄河之水”为题材。

　　ARTTITUDE：那是怎样形成今天这种很有个性的绘画语言的呢？

　　徐惠君：在传统笔墨里面讲究很多线条和皴法，后来发现运用斧劈皴的方法画黄河，画不大也画不小，用皴法，小了容易紧，大了容易散，也不能去加，加了容易变死墨，最好一遍成功，所以我就找一个方法，找一个最适合表达水和雾的方法。

　　其实原先我在中国美院进修学习的时候，我已经有一年多时间在画黄河，跟清华美院的邱挺老师学习，他那个时候在中国美院读研究生，顺便带我们去写生，突然下小雨，我的墨已经画不开了，在纸上已经画不上很干的墨，结果发现下到雨滴的地方，墨已经润开了，这种效果我记得很深。

　　我2004年开始画黄河，还是使用很传统的皴法。那个时候很不舍得推翻自己多年所学的东西，很多人也在怀疑我这样做对吗？我当时发现这种画法的时候，也没有多想，也没有想到用喷壶，就用手洒，很不均匀，后来试验用喷壶，经过多次尝试，掌握了让纸面达到潮湿与不潮湿之间的一种状态，干和湿的对比，我称之为“风雨皴”，经过十多年的掌握和控制，画面布白设计可以说已达到炉火纯青，能控制的比较巧妙了。

　　其实从古至今画水的各家我都进行了研究，学习他们的组合方法，目的是远离他们，我要跟所以人不一样，我反反复复临习所有人的方法。了解之后，我用自己的方法，告诉自己在画面的水里面不要出现线，因为传统以线为主，我偏偏不出现线，也不是没有线，因为两个面交叉就是一条线，点线面还是有的。我用这个方法发现表达水跟雾特别好。画黄河要积到20遍以上，那种水特别黄，因为有泥浆，它要比别的水看起来更沉一点，更厚重，好像重量比普通的水重上好几倍的视觉感受。这种厚重感只能靠一遍遍的积，我原先临习过许多傅抱石的方法，尤其是第一遍很有“抱石皴”的感觉，再加上我自己的方法，经过20遍以上就出现了现在这种效果。

　　ARTTITUDE：现在特别想问您一个问题，您是怎么界定自己现在这个创作道路的？

　　徐惠君：我们在江浙一带的画家，还是以墨为主，用点花青和赭石就差不多了，我曾经在美国做过展览，也曾觉得颜色上的单一问题，只是没有下决心去改。像欧洲有好多的油画里面的色彩关系特别强烈，色彩的好处是用上之后画面显得更加立体，空间感更加强烈。我就试了一下，但是没有成功，因为冷暖的东西放在一起，很容易脏。要特别的小心来把握这个冷暖关系，因为水色很薄，一叠加就脏。我们常讲“墨不碍色，色不碍墨”，在冷暖交替的地方一定要小心，看似写意，一定要小心处理。我们传统里面讲的不要光影，不要色彩，不要质感，其实这是给了我们很多机会。

　　ARTTITUDE：在您的作品中，中国的气质已经很浓厚了，当然您不仅仅是以笔墨形态去表现。这种东方的气质把握的还是很到位的。您每幅画的创作周期是多长时间？

　　徐惠君：其实我画画速度是很慢的，我画黄河为什么到现在还是一直津津有味呢？它是最能体现中国精神的题材，我现在大写意也画，积墨积彩的画比较多的情况下，时间比较长的时候，我就会画一些偏写意的，这样的话两方面相互有一种影响，是一种调剂的过程，有画积墨积彩的时候会了解这些比较细微微妙的东西，其实深入是最难的。

　　大写意是把笔墨留在了纸上，不像积墨积彩都藏在了里面，那种情绪化，那种精神给你带来的轨迹，很好看。我现在积墨积彩中也有意留下了这种情绪，笔触很好看，把写意的东西和写实的东西放在一起，衔接的很自然，看不出突兀。泼墨泼彩是不可用的。因为我这里面的水都是需要留白的，泼墨泼彩洇开就会堵住，你去接的话就会闷，不接的话就显得薄，我也曾经尝试过，后来我就放弃了。

　　其实我原先到中国美院是学花鸟的，画花鸟好卖，画了一段时间，后来接触到邱挺，被山水画吸引过去了，他们在国美的那个时期属于传统创新类的，在当地文化中走得比较快。我认为后来我画这个题材是一种觉醒：艺术应该是真实的，不能带有欺骗性在里面。纵观古今的好东西，没有让人觉得故意搞怪。我还是尊重大自然的规律性，那种色彩规律，用笔规律，情绪化的东西，是从大自然里面找。所以我的画法跟着水涌动，观察水，观察流向，观察结构，根据石头变化产生起伏，所以画的时候沿着那个起伏就行了，所以我的画能让观者感觉到水在涌动。

　　ARTTITUDE：您的画我认为是比较写实的，作为艺术家在技法、样式积累上都非常成熟以后，像齐白石、黄宾虹等大家在创作过程中，都会遇到一些瓶颈，有一个再进行自我挑战、自我突破的过程。您再往下走，是怎么考虑创作方向的？

　　徐惠君：我原先也曾遇到一些瓶颈，原先比较尊重黄河本来的颜色，黄色反复使用，就显得单一。后来将印象派那种理念那种色彩加进去，获得了突破，我发觉画面的丰富性出来了。我以后的创作方向可能是两个方面都有：一个就是积墨积彩；一个是纯写意的。就一挥而就，一点都不能加一点都不能减，做到笔墨的有效运用。

　　可能我更喜欢的是那种积墨积彩，我会将颜色用的更极致，画得鲜艳些。中国人画油画可能更喜欢画灰色调，我觉得灰色调大家已经走的很好了，所以我要走鲜艳这条路。鲜艳这条路会出现一个问题，就是走着走着会浮。但是我发现用鲜艳的颜色在上面积染，既保证了它的鲜度，又不会浮，厚重感也出来了。

　　我也不想画很多题材，人生百年，把一件事做好，比一百件事更有效果，所以我会继续研究水。前段时间我在研究陆俨少的东西，能不能把这个东西加进去？我发现很难，加进去之后就会觉得不对，因为线太具体，就妨碍了丰富度，很具体的东西，比如说线、块面的出现，水里面的东西，其中小东西特别的微妙，一用线就阻碍了画面的丰富性，包括色彩。

　　ARTTITUDE：艺术家成长的过程中，比如对一个题材的投入，都是先进后出，通过探索发现，光色、结构、语言，都能够达到语言本体的饱和，都会走到尽头。学习艺术都是由不懂到懂，艺术发展都会有这么一个规律“先繁后简，先入再出”。您的作品东方的气质特别足，也许有一天会突然感到各种颜色都体验过了，再也没有新鲜东西的时候，也许能看到水的另一面，对于中国文化本体的回归，但这不是重复已经走过的路，而是用自己的眼光重新看待它。

　　徐惠君：我的创作源于对自然事物的一种突发感想，我的这幅画为什么用大红和黄色呢？作品名字叫《中国红》，还起了另外一个叫《中国之歌》的名字，红色是融入中国血液的颜色，而黄河又是中国人代表符号的东西，于是我就想黄河用这种中国人最喜欢的血液般的颜色，代表中国的一种情绪来画这幅画，黄色是古代帝王用的颜色，我用这两种颜色组合，发觉一点也不怪异，它代表了一种精神的真实，而且是可以表达各种情绪的。对光影的关注和技法的研究最终还是会升华到一个精神层面，颜色会更加主观，更走向抽象，个性化风格会更加强，更脱离具象的东西。我的画作中运用紫色，就是为了体现母亲河那温柔浪漫的一面。

　　原先我是画一年的画，出一本册子，办一个展览，然后卖掉。都是这样的职业状态。我不在某个团体，后来我想这个画法没有用过，想把这个画法呈现于世，于是就有了在中国美术馆办个展览的打算。通过这个展览给予我自信。肯定了自己的绘画风格。

　　我现在画的风格有两种题材，一是黄河，一是重彩，一动一静，黄河是奔放的，我的重彩结合了当代社会因素，一反传统绘画中的构图特点，比如我的有些作品是平行式的构图，这在传统里面是没有的，我认为，平行的东西是安静的，所以我的重彩跟黄河画法形成强烈的反差。在工笔画中借用点彩的方式也有，这种纯粹的还是少一些，受到印象派影响挺大的。我画重彩的时候，是根据自己的感觉去画，画出我心中的理想家园。

采访 整理陈晓峰

本文发表与《艺品》杂志2015年11月刊